This thesis examines the appropriative strategy of the Saudi Arabian artist Ayman Yossri, as he takes print screens from Spike Lee's film Malcolm X (1992). The resulting prints depict frozen...Show moreThis thesis examines the appropriative strategy of the Saudi Arabian artist Ayman Yossri, as he takes print screens from Spike Lee's film Malcolm X (1992). The resulting prints depict frozen cinematic images overlaid by Arabic subtitles which, taken out of the linear narrative of the film, produce meaning in alternative ways, depending on the new cultural contexts in which they are placed, and the interpretive mind of the viewer. Recognizing the ability of appropriations to temporally continue existing narratives, and to spatially disseminate them across cultures, this thesis examines what current significance Yossri's work establishes for the historical personality Malcolm X, and the intercultural implications of his story traveling from the Unites States to Saudi Arabia. The first question is explored through the theoretical lenses of art and agency (Alfred Gell) and art as counter-hegemonic intervention (Chantal Mouffe), in order to recontextualize Malcolm X's legacy of political activism in the contemporary world, and to examine how it uses this legacy in order to critique current political orders. The second question approaches Yossri's works as artefacts created from intercultural processes, and exhibited in multicultural contexts. Drawing from ongoing debates concerning intercultural dialogue and the postcolonial discourse of otherness, Yossri's appropriations of Malcolm X's story are understood as forums, examining their possibilities and limitations in mediating intercultural understanding. Additionally, studies of the Arabic language and grammar are referenced throughout the thesis, in order to understand the concepts conveyed by the Arabic subtitles in Yossri's work, and the way these relate to the images with which they are juxtaposed.Show less
Today, it is possible to attach photographic cameras to drones. The advent of these unmanned flying machines has transformed the field of aerial photography as it has prompted the proliferation of...Show moreToday, it is possible to attach photographic cameras to drones. The advent of these unmanned flying machines has transformed the field of aerial photography as it has prompted the proliferation of vertical views. This type of view is known as God’s eye view. The technical specificities that differentiate drones from other flying devices enhance certain representational operations in the photographic language; operations that yield a very particular visual representation of the earth’s surface. The representation issues that have been identified in drone vernacular photography are three: paradox between chaos and geometry, miniaturization and flatness. These elements affect the way in which viewers perceive and ascribe meaning to our living space. When these characteristics are not critically thought, these photographic images can give rise to feelings of possession, affective detachment and omnipresence. Thus, they dehumanize our view of the world. A critical and historical reflection upon this issues in drone photography can decrease the visual reification of our living space, and instead, they can become qualities of a living and dynamic spatial representation.Show less
Humans of New York (HONY) is the result of technological changes such as camera phones and social media that so strongly has influenced the way we produce, consume and reproduce photography....Show moreHumans of New York (HONY) is the result of technological changes such as camera phones and social media that so strongly has influenced the way we produce, consume and reproduce photography. Digital network interactions that reshape modes of socializing contributes to dehumanization, while at the same time the easiness and rapidness with which photographs can be reproduced provoke the emergence of modern iconoclasm. Unintentionally, HONY counter-reacts both by creating a sense of human community that avoids visual saturation blindness. Its use of traditional photography has lead to position it within some of the photographic genre debates due to its users’ perception and reception. This professionalization of an amateur photographic project represents a problem for the academic field. The lack of an academic background prevents this type of photography from representing truthfulness ethically. Unconsciously, HONY perpetuates stereotypes and manipulates its viewers by appealing to sentimentalism, while at the same time falls into the tradition of the victim. This issues point at the fact of an urgent need for theorizing and conceptualizing this type of photography that despite being amateur is perceived within the professional photographic practice.Show less
The last couple of years it has been evident that street art has become more widely accepted in the art world. This thesis seeks to explain how this acceptance of street art, leading to the...Show moreThe last couple of years it has been evident that street art has become more widely accepted in the art world. This thesis seeks to explain how this acceptance of street art, leading to the institutionalization of the art movement, has affected the experience of street art. The difference between street art in the outdoor context and the indoor context is discussed through this new development. Since the 80s the institutionalization has started with the professionalization of graffiti and eventually street art. Galleries initiated legal commissions which stimulated the artists to create artworks indoors but also reconsidered the definition of street art. It was only after the so-called Banksy Effect however, that the acceptance of street art in the art world was brought up. Since the 2000s this acceptance has changed the notion of street art with fundamental developments as a result. More institutions are concerned with street art and initiate street art exhibitions, some examples mentioned are Art in the Streets in the Museum of Contemporary Art Los Angeles, Street Art in the Tate Modern, City Lights in the Millennium Iconoclast Museum of Art and the not yet opened Urban Nation Museum for Urban Contemporary Art. The effects of the recontextualization within institutional spaces for the experience of street art is discussed through these examples. It is because of Banksy's popularity that these exhibitions were presented in the past, and his popularity today is still able to initiate exhibitions on his artworks. In 2016-2017 two exhibitions on Banksy were presented during the same time in the Dutch capital Amsterdam. Banksy: Laugh Now was exhibited by the Modern Contemporary Museum Amsterdam, an initiative by the two gallery owners Logchies and presented the most famous artworks made by Banksy. The travelling collection The Art of Banksy was exhibited in the Beurs van Berlage and was initiated and curated by his former agent Steve Lazarides. These two exhibitions and competitors each presented Banksy's artworks but had fundamental differences in their presentations. The experience of the artworks is what made the distinction between these two exhibitions. While Banksy: Laugh Now was more concerned with the amount of artworks and the presentation of the artworks within their institution, the exhibition The Art of Banksy focused on the experience of the recipients. Through these examples of street art exhibitions it has become clear that the institutionalization of street art has fundamental effects on the experience of street art. Because of this a reconsideration of the institution, in this case the museum space, is necessary to fully appreciate and exhibit street art works within the context of an institution without neglecting the experience of street art.Show less
Dit werkstuk bestudeert een aantal figuratieve schilderijen van Daniel Richter in relatie tot het thema Holocaust. Zit dit thema in het werk van Richter verweven en hoeveel betekent deze mogelijke...Show moreDit werkstuk bestudeert een aantal figuratieve schilderijen van Daniel Richter in relatie tot het thema Holocaust. Zit dit thema in het werk van Richter verweven en hoeveel betekent deze mogelijke laag voor de uitleg van het werk? Om dit te onderzoeken is gebruik gemaakt van het idee van traumakunst zoals Dori Laub en Daniel Podell dat gedefinieerd hebben.Show less
Onderzoek naar seksualiteit en controle over het lichaam in de wassen beeldengroep Untitled van de Amerikaanse kunstenares Kiki Smith. Hierbij lijkt het psychologische lijden van de mensfiguren een...Show moreOnderzoek naar seksualiteit en controle over het lichaam in de wassen beeldengroep Untitled van de Amerikaanse kunstenares Kiki Smith. Hierbij lijkt het psychologische lijden van de mensfiguren een grotere rol te spelen dan de seksualiteit van de figuren. Controle over het lichaam van de figuren is onderzocht naar Freuds theorie over voyeurisme. Het innerlijk lijden van de figuren lijkt voort te komen uit voyeuristische processen uit de maatschappij.Show less
Begin jaren '90 ondergaat kunstenares ORLAN een serie platisch chirurgische operaties. Ze beschouwt haar lichaam als kunst en verwordt tot een kunstwerk zelf. In 'ORLAN - Het lichaam als kunstwerk'...Show moreBegin jaren '90 ondergaat kunstenares ORLAN een serie platisch chirurgische operaties. Ze beschouwt haar lichaam als kunst en verwordt tot een kunstwerk zelf. In 'ORLAN - Het lichaam als kunstwerk' wordt met name de zevende operatie onder het voetlicht gehouden. Op de vraag op welke wijze ORLAN de grens tussen kunst en maker herdefinieert wordt door middel van drie theoretische kaders van Arthur Danto, Peggy Zeglin Brand en Parveen Adams gezocht naar een antwoord. Hierin wordt ook het perspectief van de toeschouwer en de rol van de technologie besproken.Show less
In dit onderzoek wordt van David Claerbouts' Highway Wreck(2013) de perceptie van tijd bevraagd en de mate waarin het onderscheidend van de rest van het oeuvre is onderzocht.Het betreft een...Show moreIn dit onderzoek wordt van David Claerbouts' Highway Wreck(2013) de perceptie van tijd bevraagd en de mate waarin het onderscheidend van de rest van het oeuvre is onderzocht.Het betreft een digitale presentatie van een gebeurtenis waarin heden en verleden zijn samengetrokken waarbij de grenzen tussen de klassieke media fotografie en film vervaagd zijn. Er worden hierdoor verschillende tijdelijkheden ervaren en de lineaire tijdsequentie wordt doorbroken door te navigeren tussen stilstaand en bewegend beeld. Het werk is onderscheidend in Claerbouts' oeuvre door het gevoel van een horizontale beweging, met het effect van een panoramabeeld, door de constructie van een moment dat vanuit verschillende perspectieven wordt getoond en door het construeren van verschillende texturen(analoog/digitaal) van een archiefbeeld , waardoor de beschouwer de tijd moet nemen om de gelaagdheid van de verschillende tijdaspecten te doorgronden.Show less
Het vrouwbeeld in de feministische fotografie en de modefotografie in de jaren 70 van de twintigste eeuw. Hoe verhoudt het vrouwbeeld in de feministische fotografie zich tot het vrouwbeeld in de...Show moreHet vrouwbeeld in de feministische fotografie en de modefotografie in de jaren 70 van de twintigste eeuw. Hoe verhoudt het vrouwbeeld in de feministische fotografie zich tot het vrouwbeeld in de modefotografie in de jaren 70. Zien we alleen verschillen of zijn er ook overeenkomsten.Show less
Het onderzoeksobject van deze scriptie betreft een specifiek onderdeel van het oeuvre van de fotograaf Michel Szulc-Krzyzanowski (1949), genaamd de Sequenties, gemaakt in de periode 1970-1985 (zijn...Show moreHet onderzoeksobject van deze scriptie betreft een specifiek onderdeel van het oeuvre van de fotograaf Michel Szulc-Krzyzanowski (1949), genaamd de Sequenties, gemaakt in de periode 1970-1985 (zijn ‘vintage’ serie). De onderzoeksvraag richt zich op hoe een toeschouwer zich tot verschillende Sequenties van deze kunstenaar verhoudt. Een aantal van deze werken wordt geanalyseerd door toetsing aan historische feiten rondom de geschiedenis van de menselijke waarneming en door toepassing van theorieën uit de filosofie (o.a. Vilém Flusser, Philippe Dubois), de neurowetenschappen (Rick Grush), de kunstkritiek (o.a. Rosalind Krauss, Janneke Wesseling, Maarten Vanvolsem) en de fotografie- en filmkritiek (o.a. Laura Mulvey, Vivian Sobchack). De analyse focust zich op de verhoudingen tussen wereld, object, subject (fotograaf en toeschouwer), fotografische afbeelding en de fotocamera.Show less
Het werk 'A Little Taste Outside of Love' (2007) van de Afro-Amerikaanse kunstenaar Mickalene Thomas bekeken vanuit het perspectief van de (fe)male gaze, het tweede- en derdegolfs feminisme en in...Show moreHet werk 'A Little Taste Outside of Love' (2007) van de Afro-Amerikaanse kunstenaar Mickalene Thomas bekeken vanuit het perspectief van de (fe)male gaze, het tweede- en derdegolfs feminisme en in vergelijking met het werk van andere hedendaagse Afro-Europese en Afro-Amerikaanse kunstenaars.Show less
Deze bachelorscriptie richt zich op dematerialisatie in het oeuvre van kunstenaar Tino Sehgal (1976) in relatie tot de museumbezoeker. Vanuit de opvatting dat het beeldende kunstwerk inherent...Show moreDeze bachelorscriptie richt zich op dematerialisatie in het oeuvre van kunstenaar Tino Sehgal (1976) in relatie tot de museumbezoeker. Vanuit de opvatting dat het beeldende kunstwerk inherent afhankelijk lijkt te zijn van de perceptie van toeschouwer en zich dus tegenover de toeschouwer als kunstwerk moet manifesteren, plaatst dit onderzoek vraagtekens bij de door de kunstenaar beoogde volledige immaterialiteit van zijn werk. Het begrip dematerialisatie wordt gerelateerd aan drie termen die een rol spelen in de manier waarop de museumbezoeker kunst percipieert en die van invloed zijn op de relatie tussen kunstwerk en museumbezoeker: representatie, interactie en performativiteit. Ten slotte wordt er een conclusie getrokken over de mate waarin en de wijze waarop het museaal tentoongestelde werk van Tino Sehgal als gedematerialiseerd beschouwd kan worden.Show less
